Andrea Mantegna

Andrea Mantegna (Italia 1431-1506) fue un maestro de la perspectiva y el escorzo. Contribuyó de manera destacada al desarrollo de las técnicas compositivas de la pintura renacentista. Demostró siempre un apasionado interés por la antigüedad clásica. La influencia tanto de la antigua escultura romana como de las obras de su contemporáneo Donatello son evidentes en el tratamiento que Mantegna confiere a sus figuras humanas. Éstas se distinguen por su solidez, rotundidad, volumen, expresividad y precisión anatómica. Gracias a él algunos artistas alemanes, sobre todo Alberto Durero, pudieron conocer los descubrimientos artísticos del Renacimiento italiano.

Adoración de los Reyes Magos es una témpera sobre madera. Las figuras representadas son una muestra del interés por los volúmenes del maestro, dotándolas de una monumentalidad inspirada en la escultura. La minuciosidad de los detalles en los ropajes es una influencia de la pintura flamenca, aunque el conjunto sea totalmente quattrocentista. La figura de María y el Niño se encuentran en una oquedad de la roca rodeados de querubines entre nubes. A su lado San José, un anciano con la espalda encorvada, observa atentamente los regalos que ofrecen los Reyes Magos, representados como ricos comerciantes italianos con exóticas ropas. Tras ellos el cortejo, en el que destacan los dromedarios y las figuras con turbante que indican su procedencia oriental. Un camino poblado de figurillas sirve para otorgar la profundidad, apreciándose al fondo una ciudad.

La Gioconda

Leonardo Da Vinci (Vinci, 1452-Ambroise, 1519) fue un artista, pintor, ingeniero, inventor, escultor, arquitecto, urbanista, filósofo, escritor… de renombre. Amante de la naturaleza, humanista renacentista, que destacó en múltiples disciplinas.

La Gioconda es el retrato más famoso de la historia.

Sorolla

Joaquín Sorolla y Bastida nació en Valencia en 1860 y murió en Cercedilla en 1923 fue un pintor impresionista, postimpresionista y luminista. Si bien nació cuando el movimiento en Francia estaba ya en pleno apogeo, por tanto, sus pinturas son tardías. Su obra reúne todas las características que conocemos bien: gusto por el aire libre, búsqueda de lo momentáneo y fugaz, captación de los efectos de la luz, ausencia del negro y de los contornos, pinceladas pequeñas, sueltas e independientes. La temática de Sorolla es variada, pero dos temas son muy reiterativos: las playas y las costumbres y trajes populares.



 

Salvador Dalí

Salvador Dalí nació en Figueres, Girona, 1904 y murió en Púbol, 1989,  es considerado como el mayor artista del movimiento surrealista y uno de los más grandes maestros del arte del siglo XX.

Conocemos a Dalí.

Vamos a centrarnos en la escultura en bronce: Elefante de 1980

Elefante es una escultura de este animal con patas alargadas y pirámide en el lomo, idéntico al que aparece en uno de sus cuadros, "La tentación de San Antonio" de 1946. El elefante es una imagen recurrente en la obra de Dalí, apareciendo por primera vez en 1944. En esta obra el autor trata de provocar una sensación de ingravidez a través de sus piernas delgadas, llevando objetos de peso en su espalda.

Paul Gauguin

En un paisaje idílico, rodeado por montañas varias mujeres adoran a Hina, deidad de la luna. En primer término una mujer toca la flauta. A la izquierda separado por un gran tronco de árbol que divide la composición a modo de bisagra, un segundo grupo baila alrededor de la diosa. 

Mata Mua (Erase una vez) 1892

Gauguin fue a Tahití en 1891 con el propósito de buscar inspiración artística en los pueblos primitivos desarrollados al margen de la civilización occidental. Sin embargo lo que encontró  fue tan solo restos de un pasado glorioso. Mata Mua (Érase una vez) es un canto a la vida originaria que tanto ansiaba encontrar el pintor.

 Paisaje Tahitiano 

En Paisaje tahitiano, el pintor pretende mostrar lo salvaje y lo primitivo que había en esas islas, en este caso a través del impactante color. Amarillos, verdes, morados y naranjas crean una escena envidiable en la que se encontrarían elementos aún impresionistas -la pincelada de algunas zonas y las sombras coloreadas- junto a la aplicación plana del color siguiendo la estampa japonesa. Quizá sea una imagen tomada directamente del natural o podemos estar ante el producto de la fecunda imaginación del pintor. Con esta obra, se pone de manifiesto el hechizo de Gauguin ante el lugar elegido para su evasión del mundo occidental.

La obra de Gauguin se puede ver en museos de todo el mundo y sus cuadros alcanzan un gran valor.

Para conocer más a Gauguin.

 

Monet

Oscar-Claude Monet nació en París en 1840, empieza a ser conocido cuando en 1883, se instala en Giverny, donde vivirá hasta su muerte en 1926, y se convertirá en uno de los grandes maestros del impresionismo. Como Renoir, Manet o Pisarro y otros artistas intentan captar con su pintura el momento y los juegos de luz, más que el motivo en sí mismo. Fue su cuadro Impression, soleil levant (Impresión, sol naciente) el que dio nombre a este movimiento pictórico en 1874.

Más sobre Monet

 

Nos centramos en el cuadro de El almuerzo, de 1873

Los asuntos cotidianos eran muy estimados por los impresionistas. En este cuadro, El almuerzo, Monet nos ofrece una sensacional imagen del jardín de su casa en Argenteuil en el que encontramos a la hija del pintor, Jean, jugando en primer plano, mientras al fondo se divisa la figura de Camille, la compañera de Claude. La mesa del almuerzo aún no ha sido recogida para reforzar la sensación de intimidad. El primer plano queda en sombra, obtenida con tonalidades malvas, ofreciéndonos el sendero iluminado por el sol como punto principal de la imagen. El fondo oscurecido se alegra con las tonalidades rojas de las flores. La pincelada vuelve a ser muy suelta, empleando pequeñas comas y puntos de color, obteniendo una obra de inolvidable belleza. Monet crea la sensación, con esta obra, de una agradable tarde de sol (las flores, los trajes de verano, la brisa…).

Ya conocemos los impresionistas, ahora los alumnos intentarán recrear en un dibujo una tarde de merienda con su familia. 

Picasso

En esta presentación vamos a conocer a Picasso. La vida de Picasso, como hombre y como artista, está marcada por la voluntad de vivir intensamente. La necesidad de crear y transmitir lo lleva a experimentar con muchos estilos: puntillismo, primitivismo,  clasicismo, surrealismo... dentro de una sería de etapas que descubrirás.



 

 Nos centramos en la obras  de 1938 "Maya con muñeca", Museo Picasso de París. 

Nos fijamos en la obra y aprenderemos: 

1. ¿Quién es Maya?. Era su hija. 
2. ¿Dónde está sentada Maya?. En el suelo.
3. La muñeca lleva un vestido marinero. ¿De qué color son sus calcetines?. 
4. Ahora nos fijamos en el rostro de Maya: Los ojos están pintados frontalmente, mientras que la nariz y la boca están pintadas de perfil.
5. ¿De que color es su cabello? Maya era rubia, como lo era su madre. 

Botero

Fernando Botero es un pintor, escultor y dibujante colombiano. El rasgo más peculiar de su personalidad creadora, que hace fácilmente reconocible sus cuadros, es su particular concepción  y expresión de los volúmenes: Hace que las figuras protagonistas de sus lienzos sufran un agrandamiento que resulta desmesurado para el reducido espacio pictórico en las que las hace habitar. En esta presentación vamos a conocer algo más de su obra, centrándonos en la escultura "El pájaro herido"

Murillo

Bartolomé Esteban Murillo nació en Sevilla en 1617, donde vivió hasta su muerte en 1682. Fundó una prestigiosa escuela de arte en 1660. Su obra fue muy amplia y variada, siendo en su mayor parte de tema religioso. También pintó delicadas escenas de niños, adolescentes y minuciosos retratos. Su pintura, basada en el estudio de la escuela italiana y flamenca, se adaptó al gusto y la devoción de su país, llegando a ser un pintor de gran prestigio y consideración. Murillo se convertirá en uno de los principales pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora de representar figuras divinas, como el Niño Jesús o personajes absolutamente reales.

 

Murillo en el Prado

Nos centramos en la obra: "Niños jugando a los dados".

Esta obra es un óleo sobre lienzo (140 x 108 cm), que constituye una pintura representativa del Barroco español. En ella, los gestos de los muchachos están perfectamente caracterizados, especialmente el que echa los dados cuyo rostro está parcialmente iluminado por la rica y dorada luz. Una línea diagonal une las tres cabezas de los niños, mientras que alrededor del centro de atención -los dados- Murillo ha creado un círculo donde se integran gestos y actitudes. El pintor sevillano introduce una atmósfera vaporosa creada por las luces cálidas y la armonía cromática de pardos, blancos, grises y ocres, obteniendo un resultado de gran calidad y belleza protagonizado por las actitudes desenfadas y vitales de los muchachos. Dos de los chiquillos juegan a los dados en posturas encontradas y un tercero come una fruta mientras que un perro le mira. Se supone que se trata de vendedores de fruta o aguadores debido a la presencia en primer plano de una canasta con fruta y una vasija de cerámica, jugando las escasas monedas conseguidas. Todos los detalles están realizados con una impronta claramente naturalista. El lienzo aparece documentado en 1781 en la Hofgartengalerie de Múnich donde fue adquirido a principios del siglo XVIII para la Colección Real Alemana.

Formulario

Kandinsky

Vasily Kandinsky (1866-1944) nació en el seno de una familia rusa acomodada. Sus padres le alentaron hacia el arte, proporcionándole una esmerada educación que potenciara su talento innato. Sin embargo, no emprendió su carrera artística hasta 1896, a la edad de 30 años. Se trasladó a Múnich para estudiar arte.
El tratado De lo espiritual en el arte, publicado por Kandinsky en 1911, sentaría las bases teóricas de su proyecto artístico y marcaría el comienzo de su evolución hacia la abstracción no-figurativa.

Nos centramos en la obra: "Paisaje con lluvia"

La obra de Kandinsky de este período muestra un distanciamiento con respecto al objeto, como vemos en Paisaje con lluvia (Landschaft mit Regen), (1913), donde el tema de la pintura se plasma más en el título que en la propia imagen. Para Kandinsky, el color podía suscitar una profunda emoción espiritual, y comparaba la resonancia o el “sonido” interno de cada elemento pictórico con la de un instrumento musical. El cuadro, como otros pintados en la misma época, se caracteriza por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.