Goya: Cartones para tapices

Francisco de Goya y Lucientes (Zaragoza, 1746 -Francia, 1828), es considerado uno de los grandes pintores de la historia del arte español. Su obra abarca la pintura de caballete, mural, el dibujo, el grabado... El arte goyesco supone el comienzo de la pintura contemporánea y es precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX. Es por tanto uno de los grandes maestros de la historia del arte. 

En su carrera se pueden  distinguir periodos muy diferentes: Los desastres de la guerra, las pinturas negras... pero vamos a centrarnos en los cartones para tapices. Ver más en la presentación. 

Los girasoles

Los girasoles es una serie de cuadros al oleo realizadas por el pintor holandés Vincent Van Gogh, de la serie hay tres cuadros similares con catorce girasoles en un jarrón, dos con doce girasoles, uno con tres y otro con cinco. Van Gogh pintó los primeros cuatros cuadros en agosto de 1888, cuando vivía en Arles y otros tres similares en enero del año siguiente.

 

Jarrón con doce girasoles, 1888

Para saber más del genial pintor holandés ver la siguiente presentación:

Picasso y la escultura

La primera de sus esculturas conocidas data de 1902. Hasta entonces Picasso se había centrado en la pintura y el dibujo, sin embargo y debido a su espíritu inquieto, probó nuevas técnicas artísticas. En esta presentación conocemos algo más del Picasso escultor.

Paul Klee

Klee nacio en Münchenbuchsee, Suiza, en una familia de músicos, de padre aleman y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadanía alemana, que usaría toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadanía tras su éxilio durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich.
Klee trabajaba al óleo, acuarela y tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Al regresar de un viaje a Italia,  se asentó en Múnich, donde conoce a Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter.

Presentación de obras de Paul Klee.

Vamos a trabajar con los niños el cuadro, Senecio, 1922. Museo de arte de Basilea

"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor" (Paul Klee, 1914, tras un viaje a Túnez)

Van Gogh

Vincent Willem Van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853-Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del posimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero.

La calidad de su obra solo fue reconocida después de su muerte, considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas.

Trabajamos el cuadro:

La noche estrellada, 1889

Este cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del sanatorio donde se recluyó hacia el final de su vida. La obra, sin embargo, fue pintada durante el día, de memoria. Fue una de sus obras más conocidas y ha sido reproducida en numerosas ocasiones. Forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Henri Matisse

Matisse pintor francés (1869-1954), líder del fauvismo, dibujante, grabador y escultor, maestro del color y del dibujo, considerado como uno de los grandes maestros del arte moderno. Nació en el seno de una familia media. Dejó su trabajo como abogado para dedicarse al mundo de la pintura. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, de los críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal. A lo largo de su dilatada carrera, recibió las influencias de diversos movimientos del siglo XIX (neoclasicismo, realismo, impresionismo y posimpresionismo) que transformó en un lenguaje moderno. Son muy famosos sus cuadros de interiores, con ventanas abiertas al exterior, los de tema oriental y los desnudos. Son también muy interesantes sus collages con papeles recortados, que realizó al final de su vida.


 


Para conocer un poco más a Matisse y sus obras:

 

 Vamos a trabajar el cuadro

Peces rojos, 1911

En el cuadro Peces rojos, la vegetación y la pecera forman un marco cromático de gran movimiento que refuerza la apariencia viva de los peces, destacados por su color rojo de gran luminosidad. Se inspiró para realizar esta obra en un viaje a Marruecos. A través del color simplifica las formas hasta quedarse con lo esencial de las figuras, pero sin perder expresividad, consiguiendo decir mucho con pocos medios.

Pierre-Auguste Renoir

Impresionista junto a Monet,  amigo de Cézanne, Renoir fue fial a sí mismo y abrio su propio camino para convertirse en el pintor de la felicidad y la luz. Jóvenes, niños, paisajes, bañistas... forman parte de su obra.  

Vamos a trabajar el cuadro:

En la terraza, 1881

En su obra En la terraza, la protagonista es mlle. Dartaud, actriz de la Comédie-Française, acompañada de una niña sin identificar. Se supone que el lugar donde posaron fue la terraza del restaurante Fournaise, durante el mes de julio. Renoir siempre fue un gran retratista, como demuestra en este caso, interesándose por los rostros de la actriz y la pequeña, con la mirada perdida la primera y mirando atentamente al espectador la segunda. La luz del sol ilumina plenamente sus figuras, sin crear sombras. El estilo continúa siendo rápido y abocetado, pero las figuras tienen algo más de dibujo que el resto de la composición, en donde líneas y formas casi desaparecen para llegar a crear una obra abstracta. Los colores empleados son muy vivos y variados contrastando con el vestido de la mujer, para el que utiliza un negro-azulado.

Miguel Ángel

Miguel Ángel nació en Italia en 1475 y murió en Roma en 1564. Destacó como escultor, pintor y arquitecto. Fue una gran figura del Renacimiento, con resultados extraordinarios en cada una de sus facetas. Su vida transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura era su disciplina predilecta y la primera a la que se dedicó.

Trabajamos con los niños la escultura Moisés.

El Moisés es una escultura de mármol centrada en la figura bíblica. La estatua representa a Moisés con cuernos en su cabeza. Originariamente concebida para la tumba del papa Julio II en la Basílica de San Pedro, el Moisés y la tumba se colocaron finalmente en la iglesia menor de San Pietro in Vincoli, en la zona del Esquilino, tras la muerte del papa. La relevancia de los detalles del cuerpo y de los pliegues de los ropajes se puede apreciar estudiando minuciosamente la escultura: la protuberancia de los músculos, la hinchazón de las venas, las grandes piernas, pesadas al empezar a moverse. Miguel Ángel pensaba que el Moisés era su creación más realista. La leyenda cuenta que, al acabarlo, el artista golpeó la rodilla derecha de la estatua y le dijo: "¿por qué no me hablas?", sintiendo que la única cosa que faltaba por extraer del mármol era la propia vida. En la rodilla se puede encontrar la marca de Miguel Ángel al golpear a su Moisés. Tal y como afirma un escritor, si este titán se levantara, el mundo se rompería en pedazos. Es una obra de arte, su anatomía es perfecta, propia de la antigüedad clásica.

Andrea Mantegna

Andrea Mantegna (Italia 1431-1506) fue un maestro de la perspectiva y el escorzo. Contribuyó de manera destacada al desarrollo de las técnicas compositivas de la pintura renacentista. Demostró siempre un apasionado interés por la antigüedad clásica. La influencia tanto de la antigua escultura romana como de las obras de su contemporáneo Donatello son evidentes en el tratamiento que Mantegna confiere a sus figuras humanas. Éstas se distinguen por su solidez, rotundidad, volumen, expresividad y precisión anatómica. Gracias a él algunos artistas alemanes, sobre todo Alberto Durero, pudieron conocer los descubrimientos artísticos del Renacimiento italiano.

Adoración de los Reyes Magos es una témpera sobre madera. Las figuras representadas son una muestra del interés por los volúmenes del maestro, dotándolas de una monumentalidad inspirada en la escultura. La minuciosidad de los detalles en los ropajes es una influencia de la pintura flamenca, aunque el conjunto sea totalmente quattrocentista. La figura de María y el Niño se encuentran en una oquedad de la roca rodeados de querubines entre nubes. A su lado San José, un anciano con la espalda encorvada, observa atentamente los regalos que ofrecen los Reyes Magos, representados como ricos comerciantes italianos con exóticas ropas. Tras ellos el cortejo, en el que destacan los dromedarios y las figuras con turbante que indican su procedencia oriental. Un camino poblado de figurillas sirve para otorgar la profundidad, apreciándose al fondo una ciudad.

La Gioconda

Leonardo Da Vinci (Vinci, 1452-Ambroise, 1519) fue un artista, pintor, ingeniero, inventor, escultor, arquitecto, urbanista, filósofo, escritor… de renombre. Amante de la naturaleza, humanista renacentista, que destacó en múltiples disciplinas.

La Gioconda es el retrato más famoso de la historia.

Sorolla

Joaquín Sorolla y Bastida nació en Valencia en 1860 y murió en Cercedilla en 1923 fue un pintor impresionista, postimpresionista y luminista. Si bien nació cuando el movimiento en Francia estaba ya en pleno apogeo, por tanto, sus pinturas son tardías. Su obra reúne todas las características que conocemos bien: gusto por el aire libre, búsqueda de lo momentáneo y fugaz, captación de los efectos de la luz, ausencia del negro y de los contornos, pinceladas pequeñas, sueltas e independientes. La temática de Sorolla es variada, pero dos temas son muy reiterativos: las playas y las costumbres y trajes populares.



 

Salvador Dalí

Salvador Dalí nació en Figueres, Girona, 1904 y murió en Púbol, 1989,  es considerado como el mayor artista del movimiento surrealista y uno de los más grandes maestros del arte del siglo XX.

Conocemos a Dalí.

Vamos a centrarnos en la escultura en bronce: Elefante de 1980

Elefante es una escultura de este animal con patas alargadas y pirámide en el lomo, idéntico al que aparece en uno de sus cuadros, "La tentación de San Antonio" de 1946. El elefante es una imagen recurrente en la obra de Dalí, apareciendo por primera vez en 1944. En esta obra el autor trata de provocar una sensación de ingravidez a través de sus piernas delgadas, llevando objetos de peso en su espalda.

Paul Gauguin

En un paisaje idílico, rodeado por montañas varias mujeres adoran a Hina, deidad de la luna. En primer término una mujer toca la flauta. A la izquierda separado por un gran tronco de árbol que divide la composición a modo de bisagra, un segundo grupo baila alrededor de la diosa. 

Mata Mua (Erase una vez) 1892

Gauguin fue a Tahití en 1891 con el propósito de buscar inspiración artística en los pueblos primitivos desarrollados al margen de la civilización occidental. Sin embargo lo que encontró  fue tan solo restos de un pasado glorioso. Mata Mua (Érase una vez) es un canto a la vida originaria que tanto ansiaba encontrar el pintor.

 Paisaje Tahitiano 

En Paisaje tahitiano, el pintor pretende mostrar lo salvaje y lo primitivo que había en esas islas, en este caso a través del impactante color. Amarillos, verdes, morados y naranjas crean una escena envidiable en la que se encontrarían elementos aún impresionistas -la pincelada de algunas zonas y las sombras coloreadas- junto a la aplicación plana del color siguiendo la estampa japonesa. Quizá sea una imagen tomada directamente del natural o podemos estar ante el producto de la fecunda imaginación del pintor. Con esta obra, se pone de manifiesto el hechizo de Gauguin ante el lugar elegido para su evasión del mundo occidental.

La obra de Gauguin se puede ver en museos de todo el mundo y sus cuadros alcanzan un gran valor.

Para conocer más a Gauguin.

 

Monet

Oscar-Claude Monet nació en París en 1840, empieza a ser conocido cuando en 1883, se instala en Giverny, donde vivirá hasta su muerte en 1926, y se convertirá en uno de los grandes maestros del impresionismo. Como Renoir, Manet o Pisarro y otros artistas intentan captar con su pintura el momento y los juegos de luz, más que el motivo en sí mismo. Fue su cuadro Impression, soleil levant (Impresión, sol naciente) el que dio nombre a este movimiento pictórico en 1874.

Más sobre Monet

 

Nos centramos en el cuadro de El almuerzo, de 1873

Los asuntos cotidianos eran muy estimados por los impresionistas. En este cuadro, El almuerzo, Monet nos ofrece una sensacional imagen del jardín de su casa en Argenteuil en el que encontramos a la hija del pintor, Jean, jugando en primer plano, mientras al fondo se divisa la figura de Camille, la compañera de Claude. La mesa del almuerzo aún no ha sido recogida para reforzar la sensación de intimidad. El primer plano queda en sombra, obtenida con tonalidades malvas, ofreciéndonos el sendero iluminado por el sol como punto principal de la imagen. El fondo oscurecido se alegra con las tonalidades rojas de las flores. La pincelada vuelve a ser muy suelta, empleando pequeñas comas y puntos de color, obteniendo una obra de inolvidable belleza. Monet crea la sensación, con esta obra, de una agradable tarde de sol (las flores, los trajes de verano, la brisa…).

Ya conocemos los impresionistas, ahora los alumnos intentarán recrear en un dibujo una tarde de merienda con su familia. 

Picasso

En esta presentación vamos a conocer a Picasso. La vida de Picasso, como hombre y como artista, está marcada por la voluntad de vivir intensamente. La necesidad de crear y transmitir lo lleva a experimentar con muchos estilos: puntillismo, primitivismo,  clasicismo, surrealismo... dentro de una sería de etapas que descubrirás.



 

 Nos centramos en la obras  de 1938 "Maya con muñeca", Museo Picasso de París. 

Nos fijamos en la obra y aprenderemos: 

1. ¿Quién es Maya?. Era su hija. 
2. ¿Dónde está sentada Maya?. En el suelo.
3. La muñeca lleva un vestido marinero. ¿De qué color son sus calcetines?. 
4. Ahora nos fijamos en el rostro de Maya: Los ojos están pintados frontalmente, mientras que la nariz y la boca están pintadas de perfil.
5. ¿De que color es su cabello? Maya era rubia, como lo era su madre. 

Botero

Fernando Botero es un pintor, escultor y dibujante colombiano. El rasgo más peculiar de su personalidad creadora, que hace fácilmente reconocible sus cuadros, es su particular concepción  y expresión de los volúmenes: Hace que las figuras protagonistas de sus lienzos sufran un agrandamiento que resulta desmesurado para el reducido espacio pictórico en las que las hace habitar. En esta presentación vamos a conocer algo más de su obra, centrándonos en la escultura "El pájaro herido"

Murillo

Bartolomé Esteban Murillo nació en Sevilla en 1617, donde vivió hasta su muerte en 1682. Fundó una prestigiosa escuela de arte en 1660. Su obra fue muy amplia y variada, siendo en su mayor parte de tema religioso. También pintó delicadas escenas de niños, adolescentes y minuciosos retratos. Su pintura, basada en el estudio de la escuela italiana y flamenca, se adaptó al gusto y la devoción de su país, llegando a ser un pintor de gran prestigio y consideración. Murillo se convertirá en uno de los principales pintores infantiles del Barroco, tanto a la hora de representar figuras divinas, como el Niño Jesús o personajes absolutamente reales.

 

Murillo en el Prado

Nos centramos en la obra: "Niños jugando a los dados".

Esta obra es un óleo sobre lienzo (140 x 108 cm), que constituye una pintura representativa del Barroco español. En ella, los gestos de los muchachos están perfectamente caracterizados, especialmente el que echa los dados cuyo rostro está parcialmente iluminado por la rica y dorada luz. Una línea diagonal une las tres cabezas de los niños, mientras que alrededor del centro de atención -los dados- Murillo ha creado un círculo donde se integran gestos y actitudes. El pintor sevillano introduce una atmósfera vaporosa creada por las luces cálidas y la armonía cromática de pardos, blancos, grises y ocres, obteniendo un resultado de gran calidad y belleza protagonizado por las actitudes desenfadas y vitales de los muchachos. Dos de los chiquillos juegan a los dados en posturas encontradas y un tercero come una fruta mientras que un perro le mira. Se supone que se trata de vendedores de fruta o aguadores debido a la presencia en primer plano de una canasta con fruta y una vasija de cerámica, jugando las escasas monedas conseguidas. Todos los detalles están realizados con una impronta claramente naturalista. El lienzo aparece documentado en 1781 en la Hofgartengalerie de Múnich donde fue adquirido a principios del siglo XVIII para la Colección Real Alemana.

Formulario

Kandinsky

Vasily Kandinsky (1866-1944) nació en el seno de una familia rusa acomodada. Sus padres le alentaron hacia el arte, proporcionándole una esmerada educación que potenciara su talento innato. Sin embargo, no emprendió su carrera artística hasta 1896, a la edad de 30 años. Se trasladó a Múnich para estudiar arte.
El tratado De lo espiritual en el arte, publicado por Kandinsky en 1911, sentaría las bases teóricas de su proyecto artístico y marcaría el comienzo de su evolución hacia la abstracción no-figurativa.

Nos centramos en la obra: "Paisaje con lluvia"

La obra de Kandinsky de este período muestra un distanciamiento con respecto al objeto, como vemos en Paisaje con lluvia (Landschaft mit Regen), (1913), donde el tema de la pintura se plasma más en el título que en la propia imagen. Para Kandinsky, el color podía suscitar una profunda emoción espiritual, y comparaba la resonancia o el “sonido” interno de cada elemento pictórico con la de un instrumento musical. El cuadro, como otros pintados en la misma época, se caracteriza por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.